Cecilia Rikap se connecte depuis l'après-midi londonien, bien disposée et avec un sourire pour parler de quelque chose qui la passionne : la technologie, l'innovation et les implications sociales et culturelles du tsunami technologique que l'humanité affronte dans la troisième décennie du XXIe siècle. Cela fait 10 ans qu'elle vit en Europe, d'abord en France, maintenant en Grande-Bretagne, et son parcours de vie abrite la parabole des diplômés argentins qui ont suivi le chemin UBA-CONICET (''L'Argentine reste l'un des pays du monde qui offre une stabilité d'emploi pour des postes exclusivement de recherche'', remarque-t-elle) et de là vers le monde académique. Bien que cela ne signifie pas qu'elle perde de vue ce qui se passe dans son pays, où elle revient régulièrement plusieurs fois par an. Dans une période de particulière agitation autour de l'éducation publique, elle n'hésite pas à affirmer que le nôtre est ''un pays qui continue de se battre pour l'université publique, qui a conscience de son importance et qui, quand il dit public, dit gratuit et de qualité''.
Elle est maintenant responsable de la recherche et professeure associée d'économie à l'Institut de l'Innovation et de l'Objectif Public (IIPP) à la prestigieuse UCL (London’s Global University), vit dans la zone est multiculturelle de la capitale britannique et de là, elle se dispose à analyser dans ce dialogue avec Infobae Cultura, la révolution de l'Intelligence Artificielle dans l'art : des monopoles intellectuels aux droits d'auteur, de la manière dont nous pouvons percevoir une œuvre d'art et combien cela affectera la création, ce nouveau jouet technologique qui éblouit l'humanité. Même en ce moment, et en tenant compte des réserves économico-politiques du cas, elle affirme que ''si l'on pense à l'art, cela devrait aller bien au-delà de ce que je ‘aime, me semble beau ou non’, mais justement me sortir de ma zone de confort, me déstabiliser complètement et me faire penser à des choses que je n'aurais jamais imaginées autrement''.
—Il y a tout un débat autour de la création artistique et l'irruption de l'intelligence artificielle, comment cela modifiera l'état des choses et si cela implique un changement brutal de paradigme concernant l'œuvre, l'auteur, ses droits, etc. Par où devrions-nous aborder cette problématique ?
—J'aime commencer par le mot “création”. Qui est le créateur ou la créatrice ? Cela nous permet en fait de parcourir un peu l'histoire. Dans mes recherches, je travaille sur l'émergence du copyright, même tel que ce processus, en réalité, cherchait à protéger le créateur ou la créatrice, celle ou celui qui réalisait une œuvre artistique. Le même processus se produit avec la production de connaissance scientifique. Ce sont différentes manières de représenter la réalité, de la systématiser, de la réfléchir et de générer des régularités sur cette réalité. Alors, il est essentiel de distinguer entre le processus de création et le processus d'appropriation et de monétisation du résultat. Il est vrai que l'image idyllique d'un Picasso ou d'une Frida Kahlo existe, nous admirons tous leur œuvre et nous pensons sûrement qu'ils ont vécu de leur travail. Je dis, van Gogh est mort pauvre, il s'est coupé l'oreille de désespoir mental qu'il avait, entre autres choses, à cause de son incapacité à se reproduire matériellement. Donc, il y a un processus où les grands créateurs de l'histoire n'ont pas été ceux qui, par la suite, profitent ou peuvent vivre du fruit de leur travail. Du moins, pas de manière exclusive.
Dans la grande majorité des cas, ce que nous avons est un système où quelques-uns réussissent. Ce succès de quelques-uns permet à des entreprises qui fonctionnent comme des monopoles intellectuels de s'enrichir. C'était le scénario que nous avions avant un premier moment de rupture, qui était déjà d'interaction avec l'intelligence artificielle (bien que nous ne nous en rendions pas compte) : c'est YouTube et l'idée "Vous créez votre contenu sous l'illusion qu'un jour vous pourrez devenir super connu". YouTube fonctionne déjà avec l'intelligence artificielle, seulement que dans ce cas, l'IA n'est pas utilisée pour créer la musique ou un autre contenu artistique, mais pour définir quels vidéos apparaissent recommandés à chaque personne qui les regarde, et définir quelle publicité sera associée. Dans ce processus, encore une fois, il y a une énorme majorité de gens produisant du contenu gratuit qui, par la suite, est toujours monétisé par YouTube. Il n'y a qu'une très petite minorité, au cas de Bizarrap ou d'influenceurs sur les réseaux, qui obtient du bénéfice de ses créations.
Le pas suivant fut l'apparition des algorithmes d'intelligence artificielle générative qui sont utilisables de manière générique, permettant de donner des instructions et qui, en principe, créent des choses. Je pense que là où nous allons dans ce nouveau scénario, c'est vers une redéfinition du travail créateur, où le processus d'appropriation par de grandes entreprises est encore plus important. Qui sont-elles ? Elles sont beaucoup plus associées aux géants de la technologie digitale, pas tant à la Sony d'avant ou aux compagnies de Hollywood. Cela relèvera dun type de travail créatif qui est le travail de codification de modèles, d'écriture de modèles et d'utilisation de ces modèles pour créer. Il faut également dire que la codification ou l'écriture de modèles est aussi une tâche créative. Mais c'est d'une autre nature. Donc, vers où nous allons, c'est vers une perte de diversité, de la multiplicité des manières de savoir, de connaître et de produire des nouveautés.
Nous allons vers la universalisation d'un unique modèle : la manière de créer de l'art est d'utiliser l'intelligence artificielle, semble-t-il. La manière de découvrir un médicament pour traiter une maladie, c'est avec l'intelligence artificielle. C'est pourquoi je te disais que ce qui se passe dans le travail créatif de l'art n'est pas si différent de ce qui se passe dans la recherche scientifique et technologique. C'est une imposition d'une méthode parce que c'est moins cher. Comme cela est basé sur des données, c'est mieux adapté aux besoins du marché. Mais si l'on pense à l'art, cela devrait aller bien au-delà de ce que c'est que “ce que j'aime, me semble beau ou non,” mais justement me sortir de mon confort, me déstabiliser complètement et me faire penser à des choses que je n'aurais jamais imaginées autrement. C'est le risque. Perdre l'envie ou que même cela ne nous vienne pas à l'esprit d'aller à la National Gallery voir une œuvre d'art. Nous allons finir par voir ce que nous voulons voir, au lieu que quelque chose de disruptif, propre à l'art dans toute son histoire, nous soit présenté.
—Il y a comme beaucoup de choses à réfléchir à ce sujet. La première est que, évidemment, ce que je disais avant ne signifie pas dire : nous sommes contre la technologie pour l'art. Dans ce cas, oui, nous pouvons dire que nous sommes contre, dirais-je, au moins sur trois points. Le premier est que ceux qui définissent comment cette technologie évolue et quelle technologie nous avons, soient quelques entreprises qui sont en outre concentrées aux États-Unis et éventuellement, en Chine. Que ce soient ces entreprises qui décident quels données sont utilisées et traitées pour entraîner les modèles.
Le deuxième point est qu'il n'y a pas de décision collective sur comment ces technologies vont être utilisées. Il y a une pression très forte pour que l'intelligence artificielle devienne un outil fondamental de l'œuvre artistique dans toutes ses dimensions. C'est comme si je te disais : regardons, à partir de maintenant, chacune des chansons doit avoir un certain style de rock. C'est le problème : le manque de diversité. Si cela était utilisé pour stimuler la créativité, bien sûr que oui. Mais le problème, c'est lorsque le modèle ou l'introduction d'une nouvelle technologie finit par s'imposer au-dessus de tout autre type de forme de production. Permettre à l'artiste de créer ce qu'il veut permet également de générer, même dans le domaine de l'art, une dépendance à des technologies qui, encore une fois, sont contrôlées par quelques entreprises. Donc, une forme de création s'impose au détriment d'une autre.
Et ensuite, en ce qui concerne l'interaction encore une fois, je pense qu'il y a aussi une vision, comme si l'art avant n'avait pas déjà d'interaction avec la personne qui perçoit l'œuvre d'art, comme si nous étions des récepteurs passifs encore une fois. Je pense qu'il y a un réductionnisme très important quand il s'agit d'attribuer à l'intelligence artificielle, une capacité de générer une interaction entre les êtres humains, alors que cette interaction se produisait déjà dans le monde de l'art.
—Nous sommes à une étape d'évolution constante. Est-ce que cela va s'arrêter un jour, à ton avis ?
—Je pense qu'il y a quelque chose de clé à dire : la technologie ne se développe pas d'elle-même. Il y a des décisions économiques et politiques qui disent : “accélérons”. Donc, tant qu'il n'y a pas de contre-pouvoir, c'est-à-dire que nous ne réfléchissons pas à la technologie mais pour quel but et pour qui, quelle technologie nous voulons et laquelle nous ne voulons pas, cela continuera ainsi.
Les données, nous les produisons tous ensemble. La connaissance est produite dans les universités, dans les organismes de recherche du monde entier et, pourtant, ce sont très peu d'entreprises qui utilisent tout cela. Elles s'approprient tous ces morceaux et accumulent de plus en plus de richesse. Il y a un processus de monopolisation intellectuelle et nous nous dirigeons vers un scénario où, si un exercice de contre-pouvoir ne se produit pas, nous assisterons de plus en plus à une minorité qui sait et une majorité qui ignore, qui est utilisatrice d'une connaissance qu'elle contribue à produire sans le savoir, qui ne sait pas ce qui se cache derrière les algorithmes.
[Photos : Cristian Gastón Tayler ; AFP ; EFE]